El ordenador como lienzo artístico.

El ordenador como herramienta de trabajo en el aula de Educación Plástica y Visual.

El PC nos permite diversas posibilidades a la hora del aprendizaje, de la adquisición de habilidades y destrezas motoras. Al ser un elemento que l@s jóvenes utilizan en su día a día, resulta más estimulador, ya que se acerca en cierta medida a los tiempos en que nos encontramos, donde la tecnología juega un papel muy importante. En términos educativos, nos ayudará en gran medida a poder ofrecerles un medio con el que llegar a estimular su creatividad. Aporta la ventaja de realizar trabajos en grupo con menos dificultades. El uso del ordenador en la clase, nos permite entre ahorrar en tiempo, en medios, nos abre nuevas opciones para facilitar el trabajo que los alumnos deben realizar, y ayuda a cumplir con más eficacia los objetivos marcados desde un principio.

Damos paso a un tipo de aprendizaje significativo, mediante el que se obtiene a partir de las ideas previas de l@s alumn@s y la interacción de los conocimientos adquiridos. La autonomía que consiguen a través de las diferentes situaciones que se les van planteando, conforme van descubriendo como se emplean las herramientas de los programas con los que van a trabajar, nombrados en las entradas anteriores. Los objetivos a alcanzar serán los mismos que si de una clase sin intervención del ordenador se tratase,lo que cambiará será la forma de plantearlos, adaptándolos a las actividades con la integración de ordenador, y si se desea se podría emplear la tableta gráfica para lograr mayor precisión, casi como si dibujaran sobre el propio papel tradicional. Las ventajas son que permite realizar actividades tanto individuales, como en parejas o en grupos. Además también pueden ser actividades dirigidas o de libre ejecución del/de la alumn@ , según la metodología que se pretenda desarrollar en cada instante.

El ordenador como soporte artístico.

Desde comienzos del siglo XX, el arte ha experimentado cambios cada vez más rápidos y ha ido integrando nuevos materiales como soporte, revolucionado el sentido de la obra de arte. El soporte no solo aporta sus características materiales, sino pasa a convertirse en un elemento más dentro de todos lo componentes del trabajo visual. Antiguamente se usaban como base los muros, las piedras, las cuevas, las telas, maderas, metales, entre otros, como medio de expresión y creación plástica. Desde las primeras pinturas rupestres, ha ido variando el significado del por qué de la realización de las obras. Aunque las pinturas y los dibujos fueran arte, sin los soportes no habrían podido ser arte llevado a la ejecución. El papel como soporte se considera adecuado para la utilización de técnicas como la acuarela, el pastel, el dibujo o el grabado. Esta última técnica nos permite reproducir láminas o estampas mediante una técnica de impresión. Ha servido para la elaboración de primeros esbozos, (en el caso de mi clase, lo usarán para hacer bocetos y obras acabadas), mediante estudios preliminares o dibujos de la forma, esquemáticos, empleando el lápiz de grafito, el carboncillo, la tinta china (idónea para trabajos de modulación de línea, actividades que también realizaremos en el aula) y la pluma. Tiene como elemento positivo que resulta muy fácil de transportar de un lugar a otro, y esto en el aula es una gran ventaja, sobre todo si se quiere salir a dibujar del natural. Nuestros pequeños artistas lo pueden llevar encima en cualquier momento. Actualmente, existe en el mercado una gran variedad de papeles para pintar texturas muy diferentes de colores y de tamaños. L@s estudiantes, tienen gran abanico de materiales.

 Dependiendo del soporte y del material empleado, los profesionales y aficionados dejaban mostrar su talento obteniendo muy diversos resultados en función del material que se usara. Actualmente, se siguen usando herramientas antiguas y mejoradas, han emergido nuevas bases sobre las que posar esa creatividad que nos nace del interior. Las antiguas formas de materiales que servían de soporte en la creación artística han ido dejando paso a otras que se consideran mucho más potentes, que responden y se identifican con las nuevas formas de producción. Este nuevo soporte, nos está permitiendo otro nivel en el ámbito plástico y gráfico, donde la creación podemos conservarla durante más tiempo, a largo plazo sin incidir en los desgastes propios del paso del tiempo. Por tanto, este soporte, nos proporciona una seguridad de permanencia de la obra tal cual desde el momento que pasa a ser un resultado, una creación acabada. Añadido a esto, otro punto a favor que nos ofrece es que cabe la posibilidad de modificar la obra, dependiendo en el formato en el que se guarde. Así mismo, si dentro de un par de años queremos cambiar algunos elementos de la obra, se puede realizar esta acción. 

El ordenador ha adquirido mediante las mejoras que se le han incorporado gran diversidad de registros. Desde nuestra pantalla, podemos imitar la textura del papel arrugado mediante unos sencillos pasos, o realizar la corteza de un árbol imitando su robustez. Es un perfecto imitador de texturas, tanto a la hora de usarlas como una estampa, como a la hora de crearlas desde el inicio. Se trata de el nuevo lienzo digital. En el que l@s estudiantes pueden desarrollar sus capacidades artísticas de un modo más dinámico.

La tipografía y el cartel.

La tipografía, el cartel como medio de expresión.

Se define la tipografía como el arte o la técnica comunicativa reproducida a través de palabras. En un inicio, imitaba la caligrafía. Son una de las partes más importantes de cualquier diseño, junto con los colores y las formas adecuadas. La tipografía puede ser el reflejo de una época. En los primeros signos de escritura, cada signo adquiría un significado, un concepto o una cosa. Si combinamos diversos signos, conseguimos comunicar conceptos más complejos. En el campo tipográfico se abarca la realización de portadas de libros, periódicos, publicidad, folletos, revistas, en definitiva,cualquier documento que se comunique con otros mediante las letras o palabras.  Podemos clasificar dos clases de tipografías Las fuentes Sans Serif y las Serif, estas últimas se remontan a cuando las letras se cincelaban en bloques de piedra. Al resultar difícil el asegurar que los bordes de las letras fueran rectos, el propio tallador desarrolló una técnica más cómoda que consistía en destacar las líneas cruzadas de las letras.

Por otra parte, el cartel es una técnica visual y gráfica de difusión de la información. Una característica fundamental es que nos permite llegar a gran cantidad y variedad de público, sin excesivo gasto en recursos.  En un inicio, con el descubrimiento de las técnicas de reproducción de la imagen, la imprenta, y la evolución de las artes gráficas permiten en gran medida que el cartel vaya adquiriendo una enorme importancia. Se considera  objeto de interés para los artistas.

En cuanto a la evolución del cartel en la segunda mitad del siglo XIX y en las primeras décadas del siglo XX tuvo lugar a la misma vez que la estética de los diferentes estilos que se daban en las artes plásticas de cada periodo: el Art Nouveau, el Futurismo, el Art-Decó, el Constructivismo, el Surrealismo y el el Pop-Art, entre otros. Debido a esto, el cartel se convirtió en el elemento divulgador por excelencia de cada uno de los estilos plásticos predominantes en cada época. 

El artista Toulouse Lautrec, realizó una treintena de carteles, lo que supuso como un ejemplo óptimo para la difusión masiva de grandes y reconocidas creaciones artísticas.

Cartel de Toulouse Lautrec.

En el periodo 1896-1914, los carteles fueron principalmente la obra de pintores.  Dentro de la 

Se destaca el cartelismo soviético, ya que fue de gran influencia. Durante la Guerra Civil española, surgió lo que llamamos un “realismo expresivo” que proporcionó lo mejor del cartel soviético, sin ignorar la técnica del cartelismo cinematográfico y sobre el fondo de la gran tradición realista que arranca de la pintura española del siglo XVII. Durante la Segunda Guerra Mundial, la función propagandística de la radio y del cine fueron muy superiores a la del cartel, en contraste con lo que había sucedido entre 1914 y 1918. Añadido al posterior desarrollo de la televisión cada vez más comercial, que se convirtió en el mayor canal publicitario de la sociedad del consumo,  la cual contribuiría a acelerar el declive del cartel clásico.

Algunas formas o guías para realizar un cartel.

El cartel puede realizarse con diversas técnicas pero en general debe cumplir una serie de requisitos para que funcione (hablando en términos académicos):

-El contraste: Los elementos y las figuras principales se percibirán con mayor claridad si contrastan con fuerza entre sí: por su luminosidad, color, textura, forma, técnicas empleadas, entre otras.

-Simplicidad en el ámbito formal: Hablamos de superficies amplias, de un color uniforme y usando formas simplificadas en sus detalles. Esto facilita su visibilidad y legibilidad.

-Una composición clara y bien estructurada: Los elementos y figuras deben organizarse en una composición de tal forma que facilite la visión integra e individual de cada uno de ellos.

Hablando en términos gráficos, un cartel debe presentar un equilibrio correcto de todos los elementos que contiene. Las imágenes, los gráficos, elementos y textos, deben representar una línea de comunicación que permita al ojo humano realizar un recorrido de información visual con un fin comunicativo y expresivo. Esto crea movimiento y dinamismo. Los elementos de información o imagen son colocados por el/la diseñador/a con el fin de influir en el receptor.

Una vez habiendo conocido una breve historia del cartel y la tipografía, l@s estudiantes pueden valorar los aspectos esenciales para que un cartel funcione en el aspecto gráfico. En esta actividad al integrarse la tipografía deben de ser creativos, al fusionar ambas herramientas. El tema será de libre elección. Se hará un boceto previo en el bolc de forma esquemática, posteriormente se realizará en papel si se desea o a ordenador con cualquiera de estos dos programas: Adobe Photoshop o Adobe Illustrator. Si se realiza a mano, al finalizarlo, se escaneará y retocarán algunos detalles si son necesarios. El resultado será tanto digital como físico porque se imprimirá en papel de tamaño A3. 

Ejemplo de la tarea.

La motivación.

La motivación en clase.

La motivación es aquello que nos incita a realizar ciertas cosas como actividades, buscar información por nuestra cuenta para saber más. No resulta extraño oír hablar de que los alumnos no muestran interés por la materia o actividades que se realizan en ella, ya que no se sienten motivados. No quiere decir que hayan perdido la motivación en todo, por ejemplo pueden estarlo para realizar otro tipo de tareas que les resultan más interesantes a la vez que gratificantes. No debemos descartar que en el proceso de la motivación, interviene tanto el contexto familiares o cultural como el educativo. 

Podemos distinguir dos clases de motivaciones: por un lado la motivación intrínseca y por otro la motivación extrínseca. La primera de ellas hace referencia a la satisfacción propia como por ejemplo hacer la tarea en sí. La segunda, dependen del entorno acerca de la actuación del alumno.  Los dos tipos, se pueden usar uno de forma inicial y otro para culminar la motivación.

La autoestima juega un papel muy importante a la hora de que el/la estudiante intente alcanzar con éxito los estudios. Si carece de ella, hemos de intentar que se sienta valorado y fomentar mediante recompensas y buenas palabras el trabajo realizado, siendo realistas. Hay que redirigir las energías para que aprenden de una forma más amena, sencilla y que les interese.  Partiremos, en la fase inicial del deseo de autonomía, de progreso, reconocimiento y crecimiento de la autoestima para obtener bienestar . Posteriormente, hemos de gestionar todo el proceso de forma que se puedan alcanzar los objetivos planteados facilitando las estrategias para afrontar las diversas tareas para alcanzar la motivación para el logro. Para ello, resulta fundamental el esfuerzo por ambas partes. 

L@s profesores/as hemos de partir de que todo lo que intentamos enseñar no resulta interesante y atractivo, por lo que el aprendizaje propio de la voluntad del alumnado es de gran importancia, junto con la innovación que se desarrolle en el aula. El esfuerzo ha de ir asociado a la consecución de los objetivos establecidos desde el principio. Estos objetivos, el/la alumn@ al ver dificultad a la hora de alcanzarlos pierde la motivación. No hemos de tratar a los/las jóvenes de nuestra clase como elementos que absorben información, sino desde una perspectiva emocional, que ayude al alumnado a soportar las dificultades, sentirse capaz y dispuest@ para poder afrontar los retos  que se les plantean.

Como se ha nombrado, es imprescindible cuidar y trabajar la autoestima del/la alumn@. Para ello, se ha de adecuar las actividades exigidas en clase a sus posibilidades, valorando el esfuerzo y las competencias básicas adquiridas.  A su vez, facilitar  las expectativas hacia el logro. L@s docentes hemos de reconocer las mejoras que se adquieran en el progreso y valorar el esfuerzo por encima del éxito del resultado. 

Un inconveniente que nos cierne es respecto a los contenidos impartidos en el aula con el resultado de los conocimientos adquiridos que en ocasiones se encuentran tan alejados de la realidad diaria que no les resultan interesantes al no poder aplicarlo a la vida real. En este punto desempeñamos un papel verdaderamente importante l@s  docentes. Hemos de lograr ser conscientes de que las actividades con mayor creatividad y diferentes a las actividades clásicas y habituales, resultan más motivadoras. De este modo, se pretende alcanzar un tipo de aprendizaje que contenga actividades que motiven a la mayor cantidad de alumn@s posibles y fomenten un ambiente para alcanzar la tan ansiada automotivación.

Algunas de las técnicas o tácticas que emplearé en mi aula serán los siguientes:

-Felicitar a los estudiantes por su trabajo. Es considerada una forma efectiva en la búsqueda de la motivación en el aula. Al felicitarles cuando hacen algo bueno o correcto. Ha de hablarse desde una perspectiva positiva. Ya que si solo se le reconocen los malos resultados, pierden interés por retarse por la falta de autoestima habitualmente.

-Evitar comparaciones. Lo considero un punto importante. En lugar de compararles con otras personas que se consideran o son mejores que ell@s, pueden ser alumn@s de apoyo para aquell@s a l@s que le cuestan más.

- Mayor flexibilidad y tiempo. L@s profesores/as hemos de estar abiertos a escuchar las respuestas de los alumnos. También hemos de proporcionar tiempo adicional en la realización de actividades, sobretodo si tiene dificultades en la comprensión, 

-Comunicación cercana. Desde una posición cercana a l@s estudiantes, se favorece el entorno de aprendizaje de la clase, se siente más seguros y esto puede fomentar la motivación en el aula.

-Retar a l@s alumn@s. No debemos de proporcionarles la vía fácil a los largo de las sesiones, en referencia al aumento de retos en proporciones según los niveles generales y específicos de los miembros. Al desafiarlos en la realización de una actividad en la que puedan destacar, se ayudan de la motivación y les llevara a alcanzar en muchos casos el logro de la realización de las tareas propuestas. No se ha de olvidar la posibilidad de fracaso.

-Apoyo. L@s profesores/as debemos de ser personas que estemos dispuestos para apoyarlos.

Deben alcanzar la perspectiva humanista en la cual se destaca la capacidad de crecimiento personal, la libertad para elegir su destino y las cualidades positivas. En este enfoque encontramos, al autor de la teoría de la satisfacción de las necesidades o de la motivación del crecimiento, Maslow. Un punto a destacar es la gratificación de la necesidad como el principio más importante sobre el que se fundamenta todo el desarrollo. Dentro de la teoría de las necesidades, los alumnos satisfacen ciertas necesidades como la necesidad de esa seguridad en sí mism@, seguido de la autoestima al adquirir logros intelectuales junto con sus compañeros, y una mayor apreciación estética. Todo ello, encaminado a la tan ansiada autorrealización.

Desde mi punto de vista, considero que una metodología es adecuada y efectiva al desarrollarla de forma gradual partiendo de un ambiente semejante y desafiante, que les incentive a la confianza. Ayudándonos del refuerzo positivo, se hace más amena la tarea ya que al principio necesitan esa motivación externa junto con la confianza y la sensación de proximidad de la profesora Es algo verdaderamente importante para que el/la alumn@ adquiera la suya propia y fortalezca su autoestima. Así pues, la consideración de otorgar mayor tiempo para aquell@s que requieran una motivación especial, les beneficia para obtener un sentimiento de pertenencia al mismo grupo sin discriminación alguna. Se consigue que disfruten descubriendo, dándose cuenta de que sí pueden alcanzar una meta con hábitos de estudio y constancia obteniendo esa sensación de éxito y fracaso.

Para reinterpretar hay que conocer.

Observar, ver, sentir, interpretar para llegar a reinterpretar.

En esta entrada, se abordará el tema de la interpretación de grandes obras de arte a través de la reinterpretación de la misma.

En primer lugar el alumnado ha de conocer las obras más destacadas a lo largo de la historia y poder seleccionar alguna de ellas. Al escoger una, ha de dar una serie de pasos para poder realizar la actividad de reinterpretarla en otro estilo diferente al dado. Algo tan sencillo como realizar esta tarea, lleva detrás una investigación previa acorde con el curso que nos encontramos, tercero de la ESO. 

Ante todo, hay que ver, observar y contemplar una obra artística, leer ese significado que nos trasmite, y el que le da el/la aut@r. Eso es lo que podríamos denominar realizar la acción de interpretar. Puede ser objetiva (intelectual) o subjetiva (sentimental). Los estudiantes han de saber que toda obra de arte dice algo en sí misma. El tema, la finalidad y los sentimientos varían entre receptores y autor, no a tod@s nos provoca la misma sensación al ver lo mismo, ya que cada persona lo percibe de una forma diferente al resto. Cada individu@ que observa, culmina esa creación dotándola de significados ya dados y de otros nuevos.Es imprescindible situarnos en el desarrollo histórico de la época de lo que vemos, ya que se suele retratar en los resultados de las obras, expresando el dolor, rabia, costumbrismo de la época, ropajes, y actividades que se realizaban entre otras cosas.

Una obra de arte representa una imagen que se logra a través de la mezcla, unidad o unión de distintos elementos que lo integran, que la componen: línea, volumen,color, equilibrio, proporción, ritmo. Se puede valorar por ejemplo un cuadro, teniendo en cuenta todos los elementos que intervienen en el. De las sustancia de la expresión (tela, madera, pigmentos) hasta la sustancia del contenido (motivaciones del autor, influencia del entorno, época). 

¿Cómo analizar una obra de arte?

Como se ha nombrado anteriormente, l@ alumn@s deben conocer la obra a reinterpretar, para ello deberán de haber realizado el análisis previo de la obra seleccionada, con motivo de lograr un resultado en la nueva creación de carácter crítico y fundamentado.

A modo de ejemplo, se expone una determinada guía para el análisis de una obra pictórica:

 Hemos de tener en cuenta siete elementos clave: el tema sobre el que versa, la técnica que se ha empleado, el soporte empleado, el tipo de luminosidad (opcional), el color, la perspectiva que predomina, y la composición, especialmente trabajada en la UD. 

Los temas pueden ser muy diversos, debido a esto, se integran en dos grandes grupos: de temática religiosa, y de temática profana. En opción religiosa se muestran escenas de Dioses, Santos, escenas de la Biblia, entre otras. Por otro lado, en el caso profano, abarca temas costumbristas, retratos, políticos, de género.

Una vez analizado el tema, damos paso a identificar la técnica, la forma de pintar. Pueden mezclarse técnicas mixtas, incluso propias del dibujo. Destacan el fresco, el temple, el óleo y la acuarela. El fresco es una técnica pictórica realizada con pigmentos de origen mineral aplicada sobre un soporte de argamasa de arena y cal (es la pintura de pared). 

El temple, puede llevarse acabo sobre un muro, tabla o lienzo. Consiste en aplicar el color previamente disuelto en agua y en una materia grasa como puede ser cola o látex vinílico o yema de huevo como aglutinante.

El óleo, una de las técnicas más usadas en la actualidad, cursos de pintura y en bellas artes. Consiste en disolver los colores en un aglutinante oleoso (ejemplo: trementina), que retarda su secado. Esto permite mayor margen de maniobra a la hora de modificar alguna pincelada, 

La acuarela, destaca por la transparencia de los colores, se suele utilizar en soporte de papel acuarelable para que no se deforme o quiebre por la humedad.

Cada una de las nombradas, obtienen creaciones diferentes, cada una aportándole la característica esencial de cada técnica.

El soporte, hace referencia al tipo de material utilizado como base sobre el que realizar la pintura. Distinguimos entre: tela, madera, pared o papel. La tela será el soporte del lienzo realizado en óleo, la madera será sobre tabla, realizada al temple, la pared se usará como pintura mural, el fresco, y por último el papel con la acuarela. 

Los soportes que se exponen son los más comunes, pero no los únicos, al igual que los materiales y las técnicas. 

Por otro lado, la luz, es generadora de expresividad, de espacios y volúmenes, a ella nos podemos referir desde dónde es el foco de luz.

El color, catalogado como elemento imprescindible en la obra pictórica, generador de expresividad, tensión, armonía... Se clasifican en dos tipos de gamas, las de colores cálidos y las de colores fríos. En la gama cálida encontramos el rojo, el naranja, el amarillo y sus derivados, que dan más luminosidad. Se suelen utilizar en los primeros planos para acentuar la perspectiva. En contraposición, la gama fría como azules, verdes, violetas y derivados. Se suelen usar en los últimos planos, dando sensación de lejanía.

Otro punto a analizar, la perspectiva. Destacan cuatro: la perspectiva caballera, la perspectiva jerárquica, la perspectiva lineal y la perspectiva aérea. En la primera, se representan con mayor tamaño las figuras situadas en primer plano. En la jerárquica, otorgan importancia a las figuras de significado político y religioso,  haciéndolas de mayor tamaño en función de su importancia. Con la lineal se consigue alargar de forma ilusoria una superficie plana y llevarla a un espacio más interno. La perspectiva aérea, es de las más empleadas, una forma idónea para representar las tres dimensiones en el ámbito de la pintura o el dibujo.

Por último llegamos a la composición. Se define como la forma de ordenar las figuras en el plano. Se diferencian varios tipos de composición, según la forma geométrica que realicen los elementos en el espacio: de simetría, piramidal, circular y diagonal. 

Tras conocer y realizar el análisis, l@s jóvenes estarán listos para realizar la actividad, consiguiendo el fomento de la cultura artística.

Dibujar mediante la línea.

Del punto a la línea.

Ambos se consideran unos elementos de la composición gráfica, que parten de una mínima expresión, en el caso del punto. Y si se prolongara, el resultado sería una línea, que al fin y al cabo es una sucesión de dichos puntos. Estos dos aspectos, se consideran muy importantes para el posterior uso de texturas, líneas moduladas, zonas de luz y sombra, mediante técnicas empleadas, como por ejemplo en el desarrollo de bodegones. El conocimiento de lo que se expone, les será más fácil a la hora de encajar un dibujo, ahorrando tiempo con la expresión de las líneas principales en el comienzo del dibujo de forma esquemática.

Primeramente, haré referencia a las cualidades del punto. Posee cualidades visuales, entre las que se pueden distinguir por: la forma, la textura, el tamaño y el color. 

-La forma y la textura: se consideran la apariencia de manera externa del punto. Geométricamente, la forma, es un elemento compositivo mínimo. Lo solemos encontrar de modo redondo, sin descartar la característica de que sea regular (cuadrado, triángulo) o se presente irregular (rectángulo). La forma del punto, sea irregular o regular, depende en gran medida del tipo de papel o soporte (que es lo que le proporciona la textura) y de las herramientas que se utilizan para su ejecución.

- El tamaño: Se refiere a la relación entre las dimensiones del punto y las dimensiones que ocupa en el soporte.

- La proporción: irá en función del tamaño del elemento y las dimensiones del soporte que se elija. 

-El color: Es la combinación de las propiedades y cualidades de ciertos pigmentos, aplicadas al punto para generar sensaciones visuales que compositivamente le darán mayor o menor expresividad y énfasis.

En el ámbito de la composición hay 5 pautas que l@s alumn@s han de tener en cuenta:

-Proporción. 

-Equilibrio.

-Ritmo. 

-Contraste. 

-Simetría.

Dentro de las técnicas gráficas, encontramos un elemento generador de forma, la línea. Se distinguen diferentes tipos de líneas.

Por su forma:

-Línea rectas: Expresan robustez, rigidez.

-Líneas curvas: Comunican dinamismo vitalidad.

Por su disposición: 

-Líneas horizontales: Sugieren tranquilidad, reposo.

-Líneas verticales: Expresan fuerza, equilibrio.

-Líneas oblicuas: Transmiten sensación de profundidad y de alejamiento.

Por su intención:

-Grafismo: Línea de grosor uniforme en cuanto a su grosor.

-Trazo: Es un tipo de línea más dinámica, espontánea y libre. Normalmente, es una seña de identidad de los artistas plásticos, forma un textura difícil de imitar. En el resultado se aprecia que el dibujo adquiere fuerza o suavidad, expresividad. 

 POSIBILIDADES EXPRESIVAS DE LA LÍNEA:

-Líneas rectas: Expresan robustez y rigidez

-Líneas curvas: Sugieren movimiento en sí, dinamismo y suavidad.

-Líneas horizontales: Representan reposo, tranquilidad, estabilidad. Proporcionan una visión de las cosas más anchas y extensas. 

-Líneas verticales: Trasmiten fuerza, orden, equilibrio, movimiento ascendente o descendente.

-Líneas oblicuas: Expresan inestabilidad, caída, caos y desorden, sensación de profundidad y alejamiento. 

-Líneas quebradas: Producen una sensación de rotura de fragmentación. 

Elementos generadores de línea:

-Los Rotuladores: Son un instrumentos plásticos que se inventaron en Japón en 1963. Se asemeja a una pluma. Está compuesta con un fieltro impregnado en tinta hecha a base de pigmentos y alcohol o agua. Sus puntas pueden ser de diferentes grosores, con lo que el l@s estudiantes con esta herrmienta pueden conseguir trazos muy diversos.

-Plumas estilográficas:  Se suele usar en dibujo técnico por su precisión y de forma creativa.

-Caña: Utensilio que se usa con tintas. Se trata de una punta de madera afilada. Los trazos resultantes son espontáneos y creativos.

-Lápiz de grafito: Su mina se compone de dos materiales:

arcilla y carbón. Distinguimos dos grupos:

 
 Blandos: cuando al apretar sin esfuerzo, se escribe con un tono oscuro. Eso sucede cuando en su composición tiene más cantidad de grafito que de arcilla. Se suele emplear en Educación Plástica y Visual

 Duros: cuando al apretar sin esfuerzo, se  obtiene un color claro. Se suele emplear más en dibujo técnico.

-Lápiz de colores: La mina de estos lápices está constituida por pigmentos mezclados con ceras y barnices.

-Linóleo: Es una técnica de grabado, habitualmente usada en la materia con la que realizo la UD,  en la que se hacen incisiones sobre una superficie (de tejido de yute, corcho en polvocon más aceite de linaza). Una vez acabo el dibujo se impregna de tinta y se pasa al papel por presión.

-Plumilla: Consta de una punta insertada en un mango, el llamado portaplumas.  Hay muchos cabezales de plumilla con el que se pueden obtener gran cantidad de variedad en los trazos.

-Pincel: Con él podemos conseguir líneas muy expresivas, de diferentes grosores y texturas. 

La línea como generadora de texturas.

Paisaje representado mediante el uso de la línea con texturas.

Se logra crear la trama cuando está compuesta por una disposición de puntos o líneas en una relación precisa entre sí. Mediante esta unión y  entrelazamiento de líneas, se pueden crear retratos realistas. Conseguimos dar forma y volumen a los objetos. En un inicio se podría realizar en un A-4, una serie de tramas utilizada de seis formas técnicamente diferentes en un paisaje del patio del instituto. Una vez habiendo experimentado con los resultados, se puede dar paso a otro tipo de actividades que incluyan esta forma de dibujar si se desea, a elección de l@s alumn@s. Se aprecia como de un elemento que puede parecer insignificante, llega a surgir composiciones realmente complejas. 

L@s estudiantes, han de realizar texturas tanto naturales como artificiales, intentando reproducir de la forma más semejante posible a los objetos originales como hojas y telas.

L@s miembros del aula han de aprender estos conceptos básicos nombrados anteriormente, para llegar a comprender la importancia que tiene la mínima expresión de un elemento, su forma y  su expresión a la hora de realizar un sencillo boceto. Como no sólo participa de forma activa los elementos que emplean, sino también la presión y movimiento que ejercen sobre ellos junto con el soporte, y en el caso del papel gramajes a utilizar. Estos instrumentos de trabajo, resultan verdaderamente importantes para realizar de forma correcta las composiciones, como puede ser tanto en carteles como en bocetos previos.